关键词：中国传统音乐美学；汉族传统民歌；美学特征；音乐创作；音乐实践；音乐表演；音乐欣赏
中图分类号：J642.1文献标识码：A文章编号：1673-1573（2016）04-0032-04
刘承华教授曾经指出，“中国传统音乐美学”这一概念业已为学界所接受，但其确切定义却依然模糊，同“中国古代音乐美学”及“中国传统音乐欣赏”的关系亟待厘清。①笔者认为，中国传统音乐美学就是针对中国各民族的传统音乐所进行的美学研究，属于音乐技术理论学科与美学交叉而形成的音乐学分支学科。本文就是中国传统音乐美学领域的一个研究成果。
音乐创作是音乐实践中的一个重要环节，也是音乐美学关于音乐实践研究的一个重要方面。目前，我国的音乐美学研究主要针对西方艺术音乐展开。该学科中所总结的一些规律大部分也仅仅适用于西方艺术音乐。笔者认为，不能将那些从西方艺术音乐中归纳出来的美学规律看作普遍的音乐美学理论。文化生活、音乐生活的多样性已经逐渐被人们所认识和理解，因而我们有必要建设多样性的音乐美学理论。
笔者在总结中国民间音乐的独特美学特征时所选择的参照物是西方艺术音乐。也就是说，本文对于中国民间歌曲创作美学特征的归纳，是相对于西方艺术音乐而言的美学特征。
一、从音乐实践整体的角度看汉族传统民歌
一般的音乐美学理论②将音乐的实践划分为三个环节，即创作、表演和欣赏，并且认为音乐创作是音乐实践活动的基础。西方音乐史也基本上是关于作曲家的创作历史。音乐表演作为二度创作，乃是音乐创作和音乐欣赏的中介。音乐欣赏一方面是音乐实践中的接受环节，另一方面以反馈的形式对音乐创作和表演有一定的积极影响。对于西方艺术音乐而言，音乐实践确实存在着这样三个较为独立的环节，它们彼此影响、相互制约。
汉族传统民歌在这方面有着很大的不同。很多汉族传统民间歌曲同实际社会生活紧密联系在一起。在劳动号子、山歌、小调这三种形式中，前两者同实际生活的联系尤为紧密。比如，具有协调和指挥劳动作用的劳动号子，是劳动人民对最初劳动呼号的一种美化。③劳动号子在原始社会曾经更为普遍。普列汉诺夫曾经指出：“在原始部落那里，每种劳动有自己的歌，歌的拍子总是十分精确地适应于这种劳动所特有的生产动作的节奏。”④劳动号子同劳动生活的联系密不可分，甚至可以说是劳动生活的一个重要组成部分。
劳动号子的创作、表演、欣赏是参加劳动的群众集体完成的。创作者、表演者，是同一批劳动者，他们集创作和表演于一身。因为劳动号子并不是一种娱乐，不是以表演为目的。因而，参与劳动的人实际上也是劳动号子的欣赏者的一部分或者全部。也就是说，劳动号子的演唱，实际上并非是完全意义上的表演。因为，表演是通过人的演唱、演奏或人体动作、表情来塑造形象、传达情绪、情感从而表现生活的。表演应该有独立于表演者之外的欣赏者。劳动号子的演唱，本身就是劳动生活的一部分。劳动号子往往没有独立于表演者之外的欣赏者。
同时，由于即兴创作的原因，他们的创作过程和表演过程并不能截然分开。劳动群众往往在创作的同时，也就演唱了出来。再比如自由抒发感情的汉族山歌，也往往是一种即兴创作的产物。其创作、表演、欣赏也往往很难截然分开的，不是彼此独立的三个音乐实践的环节。
小调类民歌因其有进一步的分类，所以情况有些复杂。小调类的汉族民歌可以分为吟唱调、谣曲、时调三种类型。吟唱调的旋律接近日常语言声调，结构简单，完整性及独立性不是很强。在小调类的民歌当中，吟唱调的实用性较强，其演唱常常是伴随着实际生活中的实用性需要。⑤比如儿歌、摇儿歌、哭嫁歌、祭祀歌等都属于这种形式。吟唱调类的创作、表演和欣赏的情况同劳动号子以及山歌类似。谣曲类民歌在艺术形式方面要比吟唱调成熟，乐段结构相对完整。诉苦歌、情歌、生活歌和嬉游歌等都属于谣曲类民歌。由于演唱的即兴性特点，谣曲类的民间歌曲的创作、演唱和欣赏也很难彼此分开。
时调类歌曲是汉族民间歌曲中艺术成就最高的一种。有些情况下，会有职业、半职业的艺人演唱小调类民间歌曲，换取报酬。有些文人甚至也会参与到时调歌曲的创作当中。时调类歌曲会形成一些较为固定的旋律骨架，这些旋律骨架形成不同的时调的同宗民歌。⑥同宗民歌常常源自一个民歌母体。“民歌母体”所包含的音乐要素多种多样，其概念具有一定的综合性。时调类歌曲的结构比较规整，唱词内容也涉及民间传说、历史事件、现实社会生活等诸多方面。时调类歌曲具有易于交流和传播的特征。当时调从一个地区流传到另外一个地区的时候，大多都会发生一些地域性变异，同当地的语言和民间音乐相结合，同当地的文化整体融为一体。
创作同宗民歌“民歌母体”的作者是集体性的。而且，这一母体自其诞生之日起，便在不断地发展、变化着。同宗民歌的演唱者在演唱前人的“民歌母体”时，不一定非要忠实于“原作”。他可以根据唱词内容、演唱环境、自己的心情等不同程度地对“原作”加以变异。这种变异的过程，实际上就是一种创作。因此，即使是有一定“民歌母体”作为依据的民间歌曲演唱，也在很大程度上融创作和演唱为一体。
小调类歌曲，尤其是其中的时调，往往会有独立的欣赏者。演唱者往往靠在街头巷尾等人多之处演唱小调来换取报酬。这是小调类歌曲同劳动号子、山歌所不同的地方。
综上所述，如果我们将音乐的实践划分为三个环节――创作、表演和欣赏的话，中国汉族传统民间歌曲具有以下与西方艺术音乐不同之处。首先，汉族传统民歌创作、表演和欣赏这三个环节的独立性不强。由于民间歌曲创作的集体性与即兴性以及流传的变异性，导致民间歌曲的创作、表演和欣赏三个环节往往在同一时间完成。其次，歌曲的创作者、演唱者也往往是同一个或者同一群人来担当。歌曲创造者的分工并不像西方艺术音乐中那样的明确。
二、从创作过程的角度看汉族传统民间歌曲
一般的音乐美学理论将音乐创作的过程归纳为两个阶段，即：精神创作和物质创作。我们也可以对汉族民间歌曲从这两个环节加以考量。
音乐创作的精神创作过程就是作曲家把自己的现实社会生活体验通过音乐艺术思维构建音乐艺术意象的活动。精神创作是作曲家的审美认识活动。精神创作同物质创作一同构成了音乐创作的完整过程，它们之间有着密切的联系，是一个有机的整体。这种划分也是理论研究上的需要。物质创作和精神创作的比重，在不同类型的音乐体裁中有着不同的体现。“一般来说，小型的、简单的或单旋律的音乐作品往往以精神创作为主；而大型的、复杂的和多声部的音乐作品则往往以物质创作为主。”⑦
精神创作是作曲家在进行物质创作之前对整部作品的构架，它不仅包括音乐的主题，也包含着整部作品的曲式结构、和声布局、节奏模式等诸多方面。也就是说，作曲家要在动笔之前，首先在脑海里构建一部作品的音乐模型。此模型常常是一个作品的框架而已。少数作曲家在构思某些音乐作品时，也可能在脑海里形成一部作品的较为完整的映像。一般而言，作品的篇幅、难度也制约着这一模型与成品的差距幅度。
莫扎特可以通过精神创作这一环节构思规模宏大的作品，在他的创作中精神创作具有重要的作用。⑧通过他的这番话我们可以想见，在莫扎特的音乐创作中，精神创作具有重要作用。
民间歌曲的创作者是一般劳动者，并非职业作曲家。他们或多或少都会有一些创作的体会，但他们的创作一般没有系统的音乐理论做指导。有些群众在即兴演唱民间歌曲之前，也会有一些思考和酝酿。这种思考和酝酿应该属于精神创作的范畴。但是他们的创作大多数情况下往往是即兴性的有感而发。单独的精神创作这一过程在劳动号子、山歌等汉族民间歌曲当中体现得不是那么明显。对于即兴性很强的汉族民间歌曲而言，精神创作往往统一在实际的创作过程中。
作曲家的物质创作就是作曲家书面的笔头作业这一环节。在这一环节当中，作曲家将音乐艺术意象落实于谱面之上。物质创作过程是一项艰苦的劳动。在这一过程中，他要将在精神创作过程中所构想的作品的蓝图加以实现，要对精神模型作反复梳理、加工和提炼。物质创作对于专业作曲家而言是一个较为漫长的过程。因此，物质创作这一过程也制约着专业作曲家作品的成败。精神创作所依赖的主要是想象力，再丰富的想象也无法创作出完美的作品。作曲家的想象要依靠物质创作来完成。物质创作是以逻辑和技巧作为主要的创作方式的，能够弥补精神创作在逻辑和技巧方面的不足。
汉族传统民间歌曲的创作是一种口头创作，民歌的演唱者就是民歌的创作者。可以将这种集创作和演唱为一体的人称作民歌的创造者。民歌的创造，绝大多数情况下无需落实在笔头上。他们的创造过程不需要谱纸，也不需要笔。所以，在他们的创作过程中并不存在着物质创作这一环节。
三、从音乐创作的目的看汉族传统民歌
西方艺术音乐创作的主要目的是表达社会生活。因而，其创作是一种表现时代精神和思想的艺术实践。
作曲家乔治・克拉姆曾指出：“对我来说……似乎任何时期、任何风格的优秀音乐，都呈现出了灵感和思想的完美平衡。”“我感觉作曲家开始写一部新作品时，总带着他对他们所希望表达的社会精神气质的直觉入手的。”“如果我的音乐能表达此时此地的什么，那我就感到无比幸福了。”⑨通过这些话我们可以看出：西方艺术音乐的作曲家的音乐创作，是为了表达社会精神气质。
作曲家虽然是要表现时代精神和思想，但总是要受到音乐艺术本身特点的制约。由于音乐是一种情感的艺术，其长处并不在于写实和再现，因而作曲家往往很难把社会风貌刻画清晰。音乐作品所反映的时代精神，往往是作曲家内心对时代思想、时代精神的体验。
在很多情况下，民间歌曲的创作目的是实用性的，其目的不是为了表达社会生活。比如劳动群众创作和演唱劳动号子，主要目的是为了统一劳动者的节奏、调剂劳动者的兴趣，从而提高劳动效率。创作和演唱号子，不是一种表演，而是社会生活本身的一部分。
西方艺术音乐的创作目的，是为了表演给欣赏者，欣赏是整个音乐实践中的重要环节之一，对音乐创作有着重要的影响。美国音乐学家默赛尔指出：“音乐欣赏在一定意义上是音乐活动的基本形式，是作曲家和演奏家工作的出发点和归宿。”⑩因为中国传统民间歌曲创作所侧重的是歌曲的实用性，加上创作、表演和欣赏的密切统一性，民间歌曲的创作受音乐欣赏的制约和影响不大。很多情况下，民间歌曲的创作和演唱，并不以满足音乐欣赏者的欣赏需求为目的。相反，民间歌曲的创作和演唱，往往是为了满足民歌创作者自身的需要。而且，在很多情况下民歌的创造者和欣赏者是同一个人或同一个群体。有学者将我国民歌的实际功能归纳为如下四种：教育与传承、人生礼仪、祭祀与驱邪、交际。11民歌的创作和演唱实际上也主要是为了满足上述实用功能能够顺利完成。汉族传统民间歌曲的创作，实用性重于他市浴
四、从作品的角度看汉族传统民歌
西方艺术音乐领域的作曲家们的创作是一种个体化的创作，绝大多数作品都是作曲家单独完成。作曲家们也都追求自己的独特个性和风格。即使是同处一个历史时期、一个音乐流派的作曲家，他们的创作都会体现出各自的艺术个性。
18世纪中叶至19世纪20年代，西方音乐史上产生了一个举世闻名的维也纳古典乐派。这一乐派的代表人物是海顿、莫扎特和贝多芬。虽然同处于一个历史时期，音乐生活也主要是在同一座城市（维也纳）里展开，三位作曲家的创作却有着不同的艺术个性。
海顿的生活比较安逸、生性乐观，他的音乐充满了健康、明快、幽默、轻松的气息。莫扎特的后半生生活困苦，但他的音乐却始终能够充溢着明朗活泼的情绪。同时，在他晚年的创作中也出现了一定程度的悲剧性、戏剧性因素。
贝多芬作品所包含的内容及感情范围要比海顿和莫扎特更为广泛。正如李应华先生所描述的：“他的音乐中，有沉重痛苦、悲哀也有强劲豪迈、近于粗犷的冲击力量；有含蓄、温暖的柔情，深沉的思索，也有胜利凯旋的喜悦和狂欢。”12
汉族传统民间歌曲往往是人民群众口头即兴创作的，在音乐风格和音乐创作手法上，所体现的往往是某一文化区域总体的音乐风格。汉族传统民间歌曲所采用的是口耳相传的传播方式，这种方式使得民间歌曲的创作是以集体创作的方式完成的。它所体现的特征，实际上是集中了无数劳动群众的集体智慧的结晶。
结语
汉族传统民歌在创作上同西方艺术音乐有着很大的不同。整个中国传统音乐同西方艺术音乐在美学特征上都有很大的不同。这方面的研究，属于中国传统音乐美学的研究范围。中国传统音乐美学研究是一个大有可为的研究领域。
注释：
①刘承华：《中国传统音乐美学建设的几个问题》，http：///？uid-8141-action-viewspace-itemid-41774。
②此处的一般音乐美学是指一些较为重要的美学论著、教材中的相关音乐美学理论。其理论论述大多数仅仅针对西方艺术音乐，也仅仅适用于西方艺术音乐。
③11周青青：《中国民间音乐概论》，人民音乐出版社2000年第一版，第17页、第14页。
④普列汉诺夫著，曹葆华译：《论艺术》，三联书店1964年12月版。
⑤江明：《汉族民歌概论》，上海音乐出版社1982年第一版。
⑥冯光钰：《中国同宗民歌散论》，《人民音乐》1997年第2期。
⑦张前、王次荩骸兑衾置姥Щ础》，人民音乐出版社1992年第一版，第157页。
⑧《中国音乐学》1988年第1期，第137、138页。
⑨吉莱斯皮：《乔治・克拉姆，一位作曲家的简介》，载《音乐研究》1989年第l期，第91页。
⑩默赛尔：《音乐欣赏心理的本质》，载《中国音乐》1987年第1期，第8页。
12李应华：《西方音乐史略》，人民音乐出版社1988年第一版，第45页。
一、比较欣赏的任务
美术本来不是个孤立的现象，它与其他艺术创造和精神活动有着千丝万缕的联系，只有通过比较，才能发掘艺术间的规律。懂得这些规律对在欣赏过程中更好的进行再创作有促进作用，有利于更深入地理解欣赏作品。基于此，比较欣赏肩负着这样几项主要任务：
（1）在欣赏过程中，通过对属于两个或两个以上的文化体系或艺术体系（无论是属于不同民族的，还是属于同一民族的不同文化）的具体艺术家、作品、艺术种类、潮流、运动、时期的比较分析和综合，将该类美术作品结构的一般原则明确地层现出来，作为理解、欣赏该类体系中单个美术作品的参照。
（2）在欣赏过程中，通过类比、对照和因果关系的研究，对某一历史时期、艺术运动、艺术潮流、流派、主题和艺术特征作归纳性的综合（如文艺复兴、浪漫主义、印象主义、超现实主义等），并从中抽绎出一些该类美术作品形式美的规律，使欣赏者获得理性的收益，有利于理解欣赏该体系中的个体作品。
二、比较欣赏的方法
关键词：当代湖湘艺术品鉴藏美术鉴赏教学创新
盛世兴藏。在中国经济快速发展的今天，物质文明已经不能完全满足人们对生活的需要，文化和精神文明的消费需求正日益高涨，文化产业正成为知识经济时代的一个新的经济增长点。据权威部门统计，目前我国艺术品收藏爱好者和投资者已达7000万人，年交易额近200亿元，参与人员和成交额还在以每年10%～20%的速度递增，艺术品投资正成为与房地产投资、证券投资并驾齐驱的三大投资方式之一，成为经济投资界的一大热点。当前，中国急需一大批有文化、有思想、有能力的艺术收藏家和经营管理者，他们需要博古通今、融会中西、需要有深厚的文化艺术素养，才能推动中国艺术品市场可持续繁荣发展。
随着我国大学生人文素质的不断深化，美术鉴赏教学已经成为学校艺术教育的重要环节之一，也是我们适应未来社会必备的基本素质之一。然而目前我国许多普通高校对美术欣赏教学体系并没有深入系统的研究，相对于学生学习的热情与美术鉴赏课程的地位，我们对美术欣赏教学体系的研究显得极度贫乏和不够深入。
针对当前高校美术鉴赏课程教学的这种现状，同时为打造中国艺术品鉴赏教育平台，提升艺术品收藏家的鉴赏能力，以目前盛兴的艺术品鉴藏与投资为契机，分析目前高校美术鉴赏课实施的主要状况，探讨湖湘艺术品鉴藏在高校美术鉴赏教学中的应用研究，以适应现代教育需求。我们认为，当前作为高校公共艺术课程的美术鉴赏教学亟待解决的问题：即如何进行美术鉴赏教学内容与教学方法的深化改革，发挥美术独特的教育价值寻找美术与高校人文素质教育的深度融合。
一、要充分发挥理论研究的引领作用，积极借鉴美术鉴赏研究领域的最新理论成果，深化教学内容
高校美术鉴赏教学应该关注理论界的发展动态，引进新的研究成果，推进美术鉴赏课堂教学。公共选修课的美术鉴赏教学尽管属于一种通识性教育，与纯学术研究和专业教育深浅有别，但是，实践表明，一个学科的理论建设会制约或者促进该学科的课堂教学，理论的导向性和引领作用是不容忽视的。譬如，什么是“鉴赏”？“鉴赏”的本质是什么？这是我们讲授美术鉴赏首先要回答的问题。
所谓鉴赏，实际上包括鉴定与欣赏两个方面。鉴定主要指判定作品的真伪，应属鉴定学的范畴；欣赏，主要指品评作品的优劣，属艺术批评学的范畴。鉴定与欣赏两者既有联系又有区别。鉴定是建立在欣赏的基础之上的，只有懂得欣赏才能判断作品的真伪；欣赏又是鉴定的演进，高明的鉴定家必定具有较高的艺术修养。同时，鉴定着重于笔墨内涵、个性风格、文献考证等，而欣赏则重在艺术论析、气韵意境、审美价值等。收藏，主要包括收藏、流传、著录等方面。中国艺术品的鉴藏学问很深，范围很广。它以鉴定真伪为中心，旁涉欣赏、收藏、著录、考证等诸范畴。
目前不少高校的美术鉴赏教学主要是进行作品的介绍和赏析，忽视了艺术品的分析、鉴定、考证。这种美术鉴赏观念片面、明显滞后于学术界的理论研究。
二、加强美术鉴赏与现代生活的紧密联系，寻找美术鉴赏与高校学子在精神文化上的无缝对接，充实鲜活的教学内容
我们应以开放的文化心态从事美术鉴赏教学，阐述美术鉴赏的物质载体、审美特征与现代技术、文化生活的内在联系，讲出新意，讲出深度。事实上，美术鉴赏既是传统的，也是现代的，还是实用的，要有“大美术”观念，它要不断进行创新，自然能够融入现代社会。美术所蕴含的古典精神不少也具有现代性，如果我们在教学中能充分挖掘美术的人文精神，就能突破时代的壁垒，生发出新的教学内容。将古典式的极限浪漫主义情怀与现代人文精神合观共视，教学内容变得鲜活灵动，就能得到学生的高度认同。
三、从民族文化传承的高度来从事美术鉴赏，拓展教学内容
许多湖湘艺术品都是我国几千年积淀下来的珍贵文物，美术教育既是艺术教育，也是民族文化教育，具有非同一般的现实价值。譬如，我们可以从湖湘艺术品的传承方式入手来讲授美术的文化特性。从这一角度来说，高校美术鉴赏教学是当代一种自觉抢救和保护文物的文化传承活动。可以预见，在未来的高校美术教学中，美术鉴赏的民族文化传承性会进一步受到重视，开辟出美术鉴赏教学的新路径。
四、精心凝练教学内容，建立三维立体化的教学板块，提高美术鉴赏教学实效
美术鉴赏教学内容非常丰富，头绪繁多。一方面，美术鉴赏历史悠久，博大精深，内涵丰富，优秀作品灿若繁星，艺术名家辈出。另一方面，美术鉴赏是一项融文学、历史甚至音乐、舞蹈等多种艺术于一体的综合艺术。面对内涵丰富、体系庞大的美术鉴赏教学体系，要求我们遵循教育规律，精心凝练教学内容，使之系统化、科学化。笔者以为，美术鉴赏教育由三个有机部分构成：首先是文学赏析教育，即介绍美术作品意境和叙事之美；其次是美术鉴赏教育，引导学生欣赏艺术作品的造型、技法、色彩、风格之美；最后是文化传承教育，这一部分主要讲述与美术相关的政治、经济、民俗、宗教等内容，也就是阐述美术的文化生态环境。三者互为补充，彼此渗透，相互依存，共同构成完整的美术鉴赏课程体系，满足学生不同层面的文化和审美需求。
五、结合当代美术鉴赏的生存和传播特点，创新教学方法，促进美术鉴赏与大学人文素质教育的深度融合
在中国历史上，美术是广大民众精神文化生活不可或缺的组成部分。美术既是公众审美需求，也包含着深刻的宗教仪式内容，它广泛生存于人们日常生活等公私文化空间。人们接受美术的渠道多种多样，除了欣赏绘画作品，还可以通过制作和欣赏民间剪纸、雕刻、刺绣等方式来接受美术。
随着社会结构的急剧转型和现代文明的迅猛发展，美术的生存方式与传播途径发生了前所未有的变化。美术的传播方式也发生了革命性的变化：一方面，美术继续通过传统方式传播，另一方面，涌现出了更加便捷的传播手段，如影视、网络、光碟、手机等均成为美术的有效传播途径。这就要求高校的美术鉴赏教学，要从业已变化的外部条件出发，积极探索新的教学方法，综合运用多元化教学方式，提高教学实效，引领学生进入古典艺术的殿堂，促进美术鉴赏与大学生人文素质教育的深度融合。
一言以蔽之，高校美术鉴赏教学应随着时代的变迁和美术生存条件的变化，充分利用湖湘艺术品鉴藏知识，深化教学内容，积极开展教学模式的变革，弘扬民族文化，提升大学生的综合文化修养，真正发挥美术独特的审美教育功能。
参考文献
1李泽厚：《美学三书》，合肥，安徽文艺出版社，1999。
[论文摘要]美术欣赏课程教学在高校大学生素质教育和人才培养中有着重要的作用。美术欣赏课程有自身的学科特点和教学规律,它通过对古今中外优秀美术作品的审美教育,来丰富学生的审美观念,培养他们的美术鉴赏能力。在高等学校开设美术欣赏课程,有助于开阔大学生艺术视野,提高艺术修养,增强人文素质,促进大学生全面的发展发挥着积极的作用。
目前,国内高校中普遍开设美术欣赏课程,这对于开阔大学生的艺术视野,陶冶艺术情操,启迪智慧,健全人格,发展个性,提高创新能力等方面,具有非常重要的意义。通过美术欣赏课的学习,可以使大学生在学好知识的同时,了解和接触到很多优秀的美术作品,认识到中外美术作品的艺术价值,培养审美观念,提高艺术品位,从而达到增强他们综合素质的目的。
一、高校大学生美术欣赏课程教学的基本特点
1.高校美术欣赏课程教学是当代大学生审美教育和人文素质教育的重要内容。它是培养学生从不同角度欣赏美、感悟美,进而提高审美能力的一门课程。它主要是通过对具体美术作品的解读和赏析来揭示出作品的艺术特色和文化内涵,使他们对美术作品的审美认知能力得到一个由表及里、由感性到理性的提升过程。另外,美术欣赏课程教学在素质教育中必须突出“普及”和“审美”两个方面。只有这样,才能在新的教学改革中取得主动。加强大学生的美术欣赏,使学生在学习赏评作品过程中建立完善的审美知识结构,提高艺术素养,形成健康、高尚的审美直觉和情趣。
2.高校美术欣赏课程教学有自身的特点和规律。它主要以古今中外优秀的绘画、雕塑、建筑和工艺美术等作品为教学内容和审美对象。因此,在教学中首先确定培养目标、教学内容、教学模式和教学方法,对授课内容的选择方面,重点选择主题突出,风格鲜明,内容和形式上都相对完美,在世界美术史上影响较大的优秀作品,力求做到民族性与国际性相结合,还应兼顾到美术作品内容之间的系统性与连贯性。同时,应适当选择一些近代或现代寓意深刻,具有前瞻性和创新性的优秀美术作品。只有把真正普遍认为优秀的作品作为欣赏和审美的对象,才会给当代大学生带来强烈的艺术感染,使他们的审美感知得以陶冶和塑造,综合素质得以提高。
美术欣赏课程的教学不同于美术专业的技法课教学,而是重在培养和提高大学生的审美能力、想象能力和创新思维能力。教好这门课程,对任课教师的综合素质有很高的要求。它要求胜任“美术欣赏”课程的教师,既要有丰富的美术创作经验、扎实的美术史论知识,也要具备一定的文学、历史学和哲学等相关学科的知识,并且能够把这些知识有机地融会贯通于“美术欣赏”教学的课堂当中。
3.高校美术欣赏课程教学是“接受学”中的一个“再创造”过程。在教育教学活动中应注意处理好“教”与“学”之间的关系,充分发挥任课教师的主导作用和听课学生的主体地位。选修这门课程的学生来自于不同的专业,由于知识结构的不同,审美观点的差异,将会导致他们对欣赏美术作品的角度不同,有可能产生不同的审美感受,得出不同的审美结论。这就要求任课教师积极主动地引导和鼓励学生,不要因循守旧,应开动脑筋,深入思考,大胆地发表自己的审美观点。任课教师应及时对不同的审美观点进行分析和点评,因势利导,指导他们用所学知识理性和感性相结合的方式赏析,使他们真正体会到美术作品的艺术价值和人文内涵,并对作品做出合理的评价。只有这样,才能激发学生的审美意识,调动他们的审美积极性。
二、高校美术欣赏课程的教学方法与探索
高校美术欣赏课程教学方法的正确与否直接影响到教学的效果,只有把切入点找准,精心设计和组织教学过程,才能使美术欣赏课程教学不断得以深化。目前,美术欣赏课程的教学中还存在着很多误区,部分教师直接借用专业美术院系的教学模式,在美术欣赏课程教学中,重在讲解技法、形式与风格,或者侧重于美术史论的解读。这种教学方法明显忽视了学生的接受能力和兴趣,导致了实际的教学效果脱节。根据教学的实践与探索,借鉴教学经验丰富的专家指导意见,把美术欣赏课程教学的主要方法总结归纳为以下几点:
1.深入体会各个时期美术作品的审美情趣,掌握美术作品的时代特征和规律。不同时代有不同时代的艺术,是古今中外艺术的共同规律。每一个历史时期的审美思潮、文化特征和价值取向,都在美术作品中深刻地反映着,这是在欣赏美术作品时必须注意掌握的。这也是同一题材的作品在不同的地域和历史时期有着不同的文化内涵,并在很大程度上显露出其独特光芒的重要原因。如在意大利文艺复兴盛期著名艺术家达·芬奇、米开朗基罗、拉斐尔,他们分别创作的美术作品如《蒙娜丽莎》《大卫》《圣母像》等,还有19世纪下半叶的印象画派,以莫奈《日出印象》为例,明显可以看到他们关注自然世界和现实人生的目光,并能够主动地把科学和艺术结合起来。他们的作品中有着艺术家人文理想的倾注和对个人价值的肯定。在美术欣赏课程教学中,应当指导学生掌握作品的时代特征和规律,深入体会各个时期美术作品的审美情趣,针对具体美术作品进行具体分析。
2.摆正美术作品与艺术家的关系,注重艺术家身世和时代背景的介绍。艺术家的美术作品是对客观现实升华了的精神产品,作品中表现的生命感受、艺术境界和审美情趣等都与艺术家的人生成长、经历环境、素质气质、宗教信仰和时代特征等有着关键的联系。另外,从不同的美术作品中,还可以感受到艺术家的气质、艺术追求及人生际遇等。其实真正优秀的耐人寻味的美术作品往往是作者心灵和情感的折射,创作主体与客体之间的关系始终是对应的。因此,在教学过程中针对具体类型的美术作品,分析欣赏作品时重点把握“知人论画”的层面,避免在欣赏过程中不知道艺术家身世和时代背景的现象。如当我们欣赏近代国画家徐悲鸿先生的绘画作品时,如果不把作品与画家感情生活、具体身世和时代背景联系起来,就不能感受到他“忧国忧民”的画面背后,因军阀混战、抗日战争和国民党发动内战而给国家和人民带来深重苦难而产生忧国忧民悲愤的心情;如果能做到“知人论画”,我们就可以通过美术作品,体味出徐悲鸿先生内心深处的那份孤寂、无奈与悲凉,感受到在他画面之外的寄托与向往。只有这样,作为欣赏者的学生才会与艺术家达到一种更深层次的精神沟通,从中获得更多的审美情趣,可见,欣赏作品时把握艺术家和美术作品之间关系是一种十分重要的解读方法。
3.根据美术作品的民族性和地域性特征,深入体会审美心理的差异。由于东、西方传统文化的差异,导致了人们对艺术的表现形式和审美习惯不同。这对人们的欣赏和认知方式带来很多的不便。如在对古埃及的建筑和雕塑的欣赏中,应当了解古埃及人重视数理与形象的和谐,以及宗教信仰等,他们创造的娴静典雅的雕像和庄严肃穆的建筑,都与它的民族地域有着不可分割的联系。艺术家在作品中所遵循的对称、和谐、比例、秩序、均衡的原则,无不体现着古埃及数学家、科学家和艺术家共同的审美心理特征。可见,只有深入地了解这些相关的历史文化背景,才能更好地欣赏这些地域和民族的美术作品。此外,中外美术作品中诸多的差异,如表现形式、审美习惯、艺术特征等,也都是美术欣赏教学课程中的重点和难点所在。因此,在欣赏教学过程中,应注意从不同的历史文化背景的视角切入,深入分析作品。民族和地域的不同,形成美术作品背后一系列更深层次的审美心理特征,体会艺术家审美心理的差异。
三、高校美术欣赏课程教学在大学生素质教育中的作用
1.美术欣赏可以培养大学生高尚的情操。美术欣赏是审美主体积极而能动地反映审美客体。在这个过程中,审美主体从中获得了丰富的情感体验。通过大学生们经常性的审美活动,可以陶冶他们的性情,净化心灵。如油画家罗中立所画《父亲》的形象,更多的是让人感受中国传统的农民身上所具有的憨厚、淳朴、勤劳和善良的美,这种美具有一种发人深省的情感力量;从列宾、希施金、列维坦等那些关注自然的质朴画风中,唤醒了人们对现实生活的深切关怀。在这些艺术形象中,所表现出的内容题材,引发了人们对现实美好生活的热爱之情。它有助于大学生树立正确的、健康的审美观念和人生态度。另外,还有美术作品中表现出爱国的情怀、协作的精神、坚强的意志与无私的品质,以及人世间的情感冷暖,都经过艺术家的艺术处理,将真善美的力量融入画面中,陶冶情操,转化为同学们向前的勇气和动力。
2.美术欣赏可以提高大学生的审美意识,树立合理的审美观念。通过对中外优秀美术作品的欣赏和学习,学生能逐渐透过作品的形式层面和形象层面,品味到作品中的深层意蕴。随着美术欣赏课程教学的不断深化,美术作品的艺术形式和艺术语言,有了更为生动而丰富的内容,艺术家的人文情感被以物化的方式呈现出来,当学生从不同的作品中品味解读出作品中所蕴涵的人生境界、哲理思考、时代特征、民族精神等理性内容时,映射在内心的将是一种心旷神怡的喜悦。这时,艺术家的艺术作品已不再是心灵的独语状态,而是起到“中介”作用,成为艺术家与同学们情感交流的“桥梁”。只有这样,在欣赏课程教学活动中,学生们在充分享受由美术作品带来的精神愉悦的同时,也积累了一定的审美知识,提高了审美意识,启迪了审美智慧,树立了合理的审美观念。
3.美术欣赏可以培养学生的想象力、创造力和语言表达能力。美术欣赏是艺术作品、艺术家的社会背景和生活等与欣赏者的知识背景、生活经验、情绪情感等因素相互作用和渗知的过程。美术欣赏的过程实际上是学生在欣赏时积极主动地创造过程,美术作品能把学生潜在的创造力和想象力充分调动起来。研究表明,学生对美术作品作出的反应程度,对线条、形状和色彩的感受水平,围绕作品的意象和情感所展开的想象能力是非常广泛的。尤其是抽象绘画或抽象雕塑作品,它为学生提供了一个不受拘束、自由想象、创造的广阔空间。这种变形、夸张的抽象作品更能充分调动学生的想象力和创造力。另外,对美术作品的欣赏需要通过对话交流的方式进行,它包括教师与学生、学生与学生之间的对话交流,欣赏者与作品之间的对话交流等几个方面。无论是哪种对话交流,都要借助语言这一中介来实现。对于学生来说,这几种对话交流的方式是互相交织的。一方面,作品通过形状、构图、色彩、线条以及所描绘的内容或情节等因素向学生发出信息,学生则靠敏锐的直觉和审美感受,不断地获取这些信息,并作出情感上的回应;另一方面,学生通过与教师、同伴的对话、讨论,表达自己对美术作品的理解和感受,同时也倾听别人的感受。在整个对话交流的过程中,学生们不断丰富着自己的内心感受。通过这种发自内心的、言之有物的表达,学生的语言能力得到了快速发展。
总之,美术欣赏教育有助于大学生综合素质的提高,美术欣赏能够培养大学生的想象力、创造力和语言表达能力,丰富审美情趣,优化情感结构,提高审美能力,提升人文素质,促进学生的全面发展。
[参考文献]
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[3]袁振国.教育新理念[m].北京:教育科学出版社,2002.
关键词：美术欣赏随堂欣赏小学美术课堂教学
小学美术教学是小学教学的一部分，前人总结的普通教育学对小学教学基本适用，普通师范对小学教师的就业要求规定为各科都能教，也有其合理性。然而，美术教学和语文、数学等教学之间存在巨大差异，美术教学有其特殊性。小学美术欣赏课是小学美术教学的一个重要组成部分，是提高学生美术素养的重要途径。小学美术教学大纲明确规定：小学美术以审美教育为核心，绘画、工艺、欣赏并重，着力培养小学生的审美情趣。教师首先要转变观念，其次要了解儿童的美术欣赏心理及欣赏习惯，选择合适的欣赏教学的组织形式和教学方法。
下面我从教材内容的选用、随堂欣赏、欣赏与操作相结合等方面，谈谈对小学美术教学特殊性的认识，与同行们一起分析美术教学现状，揭示美术教学的误区，使今后的工作更科学。
一、选好教材和内容
在小学美术欣赏课中，适当增加欣赏内容，可以激发学生的兴趣，拓宽学生的视野。在选定欣赏教材时，要注意学生的已有认识与欣赏水平及欣赏心理倾向。因此，教师要选择与儿童的生活实际相贴近的，还要与儿童的认知和欣赏水平相接近的，接近儿童的最近发展区的，能激发儿童兴趣的作品；要选择的是本身富有童趣的、易于为儿童所接受与理解的作品。
1.小学低年级作品欣赏富有情趣，符合儿童审美心理。如第二册《小朋友的画》、《民间美术欣赏》、第四册《画家笔下的童年生活》、《绘画中的动物和花果》等，它们的特点是大脑袋，歪脖子，近大远小，树画在半空，等等，五花八门，比例不在于准确，表现的是无拘无束。
2.中年级可以欣赏一些与学生生活接近、学生能理解和接受的作品。可以让学生初步接触了解优秀美术作品，培养学生热爱祖国艺术的情感。如第五册的《工艺美术的人物形象和动物形象》、第六册的工艺作品刺绣、竹编的欣赏，第八册的“挑花”、“竹编”手工课。中年级欣赏课的优秀作品档次高，起到了指导性的重要作用。
3.高年级的欣赏内容要求学生比较全面地了解我国造型艺术门类的面貌，除了已经着手的中国画教学之外，还将欣赏的领域延伸到中国优秀古建筑、雕塑、工艺美术作品中，让学生了解祖国历史悠久的艺术文化，增强学生的民族自豪感。如第九册的《古代雕塑中的人物形象》、第十册的《现代雕塑中的人物形象》、第十一册的《中国传统建筑艺术和现代建筑艺术》和第十二册的绘画作品雕塑、工艺美术、建筑、小学内容总览等。
二、随堂欣赏
随堂欣赏课就是在进行绘画、工艺等教学的同时，插入有关大师或同龄人的作品进行欣赏，帮助学生更好地理解教学内容，强化教学效果。这种欣赏方法在教学过程中运用得很多，比如在上每一课时，都可以安排学生欣赏文本的图及资料，并指导学生观看，让他们说出作品的美表现在哪里？又如为了使学生掌握某种美术技能，出示一些合理范画，也是随堂欣赏的教学过程。在欣赏过程中，教师要尊重每个学生的兴趣、爱好、个性和人格，以一种平等、博爱、宽容、引导的心态对待每个学生，使每个学生的身心能够自由表现和舒展开来，鼓励学生从不同角度欣赏和感受，教师不轻易批评学生的欣赏不正确，让每位同学都能轻松地讲出自己的感受、观点，在全班同学激烈的争论中，让美内化、升华。
如教学《巧妙的组合》一课，有的学生认为西班牙画家米罗这幅《太阳、人和鸟》不好看，什么都不像；有的学生认为好看。这时，教师对学生的评论不作出错评判，始终保持沉默，让学生争论，在争论中逐渐加深对抽象画的认识，接受大小不等的几何色块组成的画面也是一种美的形式。反之，如果教师认为学生不该对大师的画质疑，批评学生欣赏水平低下，则学生的积极性会遭到打击，并容易产生逆反心理。而且之后再让学生评论作品，学生就有一种胆怯心理，不敢发表自己的意见。
三、欣赏与操作相结合
欣赏教学要善于借助学生绘画与工艺等美术实践的“外力”。因此，欣赏教学与工艺、绘画的教学是相互作用、相辅相成的。
1.先欣赏后操作。如我在“民间竹编工艺”欣赏一课中，首先让学生欣赏许多本地的漆蓝工艺品，在学生被工艺品吸引时，紧接着播放介绍漆蓝工艺品的录像，讲解漆蓝工艺品的制作过程。此时的学生，面对教师给他们准备好的篾片等材料，不由自主地动手编了起来。不一会儿，一个个“小玩意儿”在孩子们的手中诞生了，看学生的喜欢劲儿，仿佛是伟大的创造。这时我及时引导学生把自己的作品与图片上的作品和欣赏的实物进行比较，然后作出评价。学生在动手中兴趣盎然地欣赏了竹编工艺。
2.边欣赏边操作。在工艺、绘画课的开始部分，安排一些与本课有关的欣赏内容。如上《剪纸》一课时，在导入阶段让学生欣赏剪纸――“窗花”；接着在实践中穿插欣赏，学生练习时出现困惑，可以对作品进行再现，提供练习的范例，以欣赏帮助练习，以练习促进欣赏；最后在完成作品时加入欣赏，通过让学生比较与实践，使学生认识到自身作品的优缺点，起到促进作用，在学生练习的基础上指明发展的方向，激发学生探求美的兴趣与愿望。
四、课前欣赏预习
传统美术课教学，欣赏课都是在学生没有足够的时间观察、感受一幅作品时，教师就开始讲解，学生始终处于被动接受状态。我们可以课前布置预习题，预习的内容是根据本课的教学目的，精心设计一些启发性问题，这样就有足够的时间让学生欣赏作品。
【关键词】美术教育；审美教育；美术欣赏课；绘画；雕塑；审美观
美术教育是我国基础教育的一个组成部分及重要内容，也是美育的一个具体的施行单位。而美术教育重在审美教育，它是以审美教育为核心，以绘画及手工制作为辅助，培养学生科学的审美观，从而传承中华民族的优秀艺术的传统。以此为出发点，美术教育中美术课教学的两个部分，即绘画、手工制作教学和欣赏教学，重点就是欣赏课教学。
但是，因为很多客观因素的制约，美术课里的欣赏课教学并不能很好地开展。更多的时候只是“看看”，更多的时候只是进行绘画和手工制作的训练。所以，我们在很多学生的画作里，看到的多是技法，更多的是临摹的痕迹，看不到传统的过华丽的优秀的内涵，看不到朴素而隽永的民间美术的传承。显得菲薄没有底蕴。可是，我国可是有几千年的历史积淀啊！
并且，无论是气势磅礴的《溪山行旅图》，还是宏大而精致的《清明上河图》；无论是古典主义画派的《蒙娜丽莎的微笑》，还是光影跳跃的印象派的《日出》；无论是我国民间巧匠的陶俑、泥人、剪纸，还是非洲古朴的木雕；等等，等等，无一不体现出“美”，演绎着“美”。并且，美术，就是创造美的艺术。不懂得欣赏“美”，谈何创造“美”？
所以，在此，我们来谈谈关于美术欣赏的一些组成部分，希望以此激起欣赏美的兴趣。
首先，欣赏和创作同样是一种创造活动，是人类高级的、复杂的、特殊的精神活动，通过美术创造意识对自然现实的直接反映或者间接折射。人们在一个不断发现美和不断创造美的精神活动中，认识自身，寻求自身的价值，并在肯定自身存在价值的过程中，实现其本质的力量。马克思曾引用黑格尔设想的一个生动比喻，来说明人类在创造活动中实现其本质力量时产生的愉悦。故事，一个小男孩儿，将一块石子投入水中，他看到水的涟漪不断扩大，他欣赏自己的创造，从中得到无与伦比的欢喜……
当代接受美学与接受理论一个值得重视的核心思想，是肯定欣赏也是一种创造活动。按照这一美学理论，历来的文学史、艺术史都是不完全的、不完整的，它要求和正在促成一门新学科的诞生，即从文学作品文本出发、从艺术本体出发，建构一部人类的文学艺术接受史，专门研究艺术接受者的创造活动。或者说，读者、欣赏着的崛起提出挑战，要求重构文学史、艺术史。从这一点，侧面证明了欣赏的重要性。
一方面，美术创作不仅生产了美术作品，同时也产生了美术作品的欣赏者；另一方面，欣赏者不仅最终实现着作品的再创造，同时，反过来，欣赏者的要求、趣味、消费能力也构成人类历史阶段上的不同艺术价值圈。各个时代最高的艺术价值圈，要求并创造着属于它的杰出的艺术家、艺术大师。
所以，创作者同时是欣赏者，欣赏者同时是创作者，这一合理的理想的精神生活，是我们的美育的最终追求的目标。
其次，欣赏能够召唤出审美经验。
美术创作，通过美术的特定材料，凝聚画家对自然现实中美的发现，传达画家个人独特的审美经验、审美感受，从而召唤欣赏者相应的审美情感。这种召唤是具有一种特殊的感同深受力量的，因为这通过创作而再现的美，是来自客观现实中的人人熟悉的、可能发现的美，所以无比亲切；另一方面，又因为这再现的美，绝非人人都能发现，更非人人都曾体验过如同画家那样的心灵历程，所以它又无比新鲜，它是陌生的、未知的世界，在双重心绪交感冲突中产生的惊喜，也是一种美的再发现再创造的惊喜。从而唤起从没有过的新的审美经验。
在此，套用别林斯基谈到“典型”时说的话：“在真正有才能的作家笔下，每个人物都是典型的；对于读者，每个典型都是一个熟悉的陌生人。”既熟悉又陌生，恰当地揭示了美术作品欣赏的审美体验。
面对罗丹的大理石像《沉思》，我们会同时浮现双重的现实感：一种是通过洁白润泽的大理石、造型语言等材质和媒介透出来的艺术形象；另一种是由这个艺术形象激起的对外部客观现实的联想。这两种现实感都在一种幻觉里产生，从艺术形象到客观现实往复多次，构成心灵意象的跳跃感。捕捉这样一种大幅度扩展和变化着的意象，将激起心理、智慧、想象、情感以至人生经验的涟漪。这一精神活动本身的张弛、往复，就伴随着极度的审美愉悦，呈现为精神上的创造自由与超越。
“这是一个非常年轻、神秀、面目俊美的女性头像，她低着头，周围萦绕着梦想的气氛，显得她是非物质的，头额上帽子的边缘，好像她的梦想的羽翼一样，但是她的颈项，甚至她的颌都在一块粗大的石头上，好像夹在不能摆脱的枷板中一样……不具形的思想，在静止的物质中花一般地吐放出来，而且用辉煌的光彩照亮了这物质；但是她丝毫没有办法摆脱现实的沉重束缚。”罗丹的助手葛赛尔写下了《沉思》这座雕像给他的审美经验。
法国十九世纪中叶的现实主义巨子米勒，以他对农民的热爱，对土地的深情，创造了一系列再现法国农村田园的图画，如《晚钟》、《拾穗者》、《倚锄男子》，都是在真实人生的图画中渗透了劳动的甘美、人生的心酸。这是一个甘美与心酸混淆的世界。罗曼?罗兰说：“画家就是从这种劳动的痛苦当中找到了人生的诗与美，这是米勒的思想和创作的最终目的。”我们不难从米勒的人生图画里体察到农民的善良与品质的高贵，从中感受到劳动生活的真谛、诗意和画家心中的淡淡的哀愁。
所以，欣赏者从中获得的审美喜悦，正是和艺术地再现世界相对应的，既熟悉亲切又陌生新鲜的心灵体验。
最后，当我们叩响艺术欣赏的大门，我们将发现美术作品所展现出的各种不同状态，都是导向美的王国的一条条通道，在那里隐藏着一个为求索者拓展的神游的宇宙。