【关键词】基础绘画教学；理论与实践
素描和色彩是艺术设计专业两门重要的专业基础课。艺术设计的学生在进入大学前都有一到两年的绘画时间，甚至更长。而进入大学后首先要学习的依然是素描和色彩。素描作为一切绘画艺术的基础，以培养学生的观察能力、造型能力和绘画表现能力为主要目的。色彩是培养学生对色彩理性和感性认识，培养学生色彩的审美及运用能力的课程。然而艺术设计类学生并非专业绘画类学生，他们的专业性质决定他们需要的是创造能力，创新能力。对现代设计的敏感和洞察是学生们首要解决的问题。这样一来传统的素描和色彩的教学模式能否能够解决这一问题，是值得我们思考的。我个人认为这两门课程需要除了大量地与实践相结合还需要先进行学情分析，应了解学生的学习思想、学习习惯，尤其是应掌握学生对基础课程的学习兴趣，千遍一律的教学方法和模式是不是发挥不出学生的创造能力，同时会不会消灭学生对绘画的兴趣。所以针对艺术设计类的学生的基础教学需要换一个角度和方法进行引导，为以后的专业设计能力的开发最好准备。
90后的学生有着自己的学习特点，大多数学生思维活跃，发散性思维较强，但却缺乏设计者所必备的沉静和专注。大多数学生在学习中都缺乏专注的学习态度。这对于学习艺术设计以及今后的艺术设计从业者的基本素质确实是一个欠缺与不足。针对这一现象，个人总结绘画教学应当如：吴带当风、曹衣出水。
一、实践教学当如“吴带当风”
从50年代起，我们就一直沿用苏联的一整套教学方法，就当时而言，这是最行之有效的方法，它也为我们国家培养了许多优秀的艺术家。但随着时代的不断变化，西方更多的文化传人进来，仅是这一整套造型教学模式完全不够用，很多学校或是教师开始了寻求别的出路。学习的过程是需要摸索的，包括我也并没有真正从中领悟其重要的文化精神，那就是对绘画真理的认识。我们在西方文化中知道了印象主义、野兽派、立体主义……，知道了马蒂斯、凡高、比加索……，可我们并不知道他们绘画的过程是怎样的，所有人都是独自一人在作画，最后拿出自己已经画好的作品而引起轰动。任何绘画都有自己独特的艺术面貌，艺术家根据自己对画种的掌握程度来决定自己的风格特点，这需要长期地艺术实践，不断探索和总结最后形成一系列丰富多彩的表现技法，独具一格的艺术语言。现在目前我们的教学模式似乎有“子承父业”之嫌疑。一般在上课开始先有任课的教师摆放静物或模特，然后作示范，画出所谓的“范画”，最后学生根据“范画”再来画，画的过程中教师还会时常帮助学生修改画面来达到自己满意的效果。这样的教学只能是培养一批千遍一律的“画工”，不能达到大学培养的目的和要展现的结果。我认为在大学这个阶段的教学应尽量地让学生自己去表现，不能给其定死所要画的内容，应该让学生自己去找自己所感兴趣的事物来画。至于所要表现的形式、色彩、方法教师更不能过多的干预，更你不能说是要为其画“范画”了。这也不是说一点都不管，完全的放任自由，对于一些原则性问题还是应该指出的。我将这种方法称为“吴带当风”，这本来是指唐代时期画家吴道子所画的人物衣服非常随意飘动，像是有风吹过似的。那么，拿来教学过程里面来比方，只要学生所画的如这“衣服”一样还在人的身体上，那就不应该限制“风”应该朝哪面吹，这样才能发挥学生在绘画中的主观能动性，尽可能展现出“千遍千律”。
二、理论教学当如“曹衣出水”
文艺复兴开始绘画拥有了空间和透视的关系，千百年来西方绘画将此作为绘画的基础。我们学习西方，所以从学画开始就必须学会“近大远小”、“一点透视”等理论知识。作为大学的教师，面对已经有一定基础的学生，但不能忽视这些理论的讲授，应该把理论的讲授放在绘画教学的首要位置上。绘画常识理论和技法理论的讲授，可以帮助学生了解掌握解剖、透视、比例、色彩、空间、明暗等等变化规律及构图法则，理性认识技能技巧的要领，为绘画实践打好基础。教师在讲解这些理论时，要求表达要清楚、语言要清晰、简明扼要，并要尽可能得讲深讲透，如有可能还要进行实地观察及演示等实践相结合。例如在讲授由于视点位置的不同所观察到的物体会产生变形、消失现象及近大远小的透视规律时，可以引导学生运用观察感受（室内桌凳、窗户，室外楼房、马路等变化）的方法来获得知识；在讲授构图法则时，通过同一主题的几幅不同构图形式的图例，使学生的思路有所依据，在认识和比较中获得知识。如果教师在理论上作不切实际的过分阐述，或者教师本身对各种力量也只是一知半解的话，也就必然缺乏针对性，不可能讲得深透，演示到位，学生不仅得不到要领，也会在实践中无从下手，更谈不上发展其创造性绘画。可这样说，绘画理论课教学效果的好坏直接关系到学生的后期绘画技能的提高与发展。这我们可以把理论教学称为“曹衣出水”。曹仲达在画人物时所画人物衣衫紧贴身上，犹如刚从水中出来一般，人物的衣服与身体结合的密不透风，因此，我理解理论的教学和也应该做到密不透风，要向对待科学一样的严谨。
艺术设计基础绘画课教学中理论环节是严谨而不能马虎的，实践环节则应是多方面的引导，不能千遍一律的。在基础绘画课教学中，教师面对不同的学生，要因材施教，在思维方式上去正确引导学生，让学生敢于求新，在不同的教学阶段，通过分析点评学生的作品来找到优劣点。只有改革传统的教学模式，培养学生思维的独创性和灵活性，构建新的适应时展的艺术基础绘画课教学模式，方能使高校培养的艺术设计人才具备良好的综合素质。
参考文献
1以理论性为基础，阐述服饰绘画的相关知识体系
服饰绘画是绘画与设计的结合，是设计者艺术素养和表现技巧的综合体现，它全面展示着绘画与设计结合的魅力和强烈感染力，传达着审美理念和情感，对绘画和设计提出了更高要求，需要在技法学习基础上进一步加强系统理论深度的钻研。该书重视理论建构，认为一个有扎实理论基础和较强职业素养的人，往往能够形成自身独特的绘画和创新意识风格的设计作品。目前社会上从事服饰设计的大多是培训机构经过简单的强化固有模式化训练的绘制手段，忽略绘画本质的审美功能和创意方面培养的在岗人员，专业院校的毕业生从业率较低，极大限制了行业的发展。对此，作者针对从业者既要有深厚的绘画知识和技法，又要有对服饰的独特理解和服装设计相关知识的储备，编写了这本符合职业技能要求的让学生学以致用，顺应市场接轨，做到静态与动态教育紧密结合的教学用书。
该书系统介绍了服饰绘画所需的基础知识，包括服饰绘画的概念、特点，初学者需要注意的问题，明确指出服饰绘画的特征、实质和内涵，并且注意区分服饰绘画与服饰效果图之间的不同，对服饰绘画的形式美感进行详细具体阐述。从本质上提高学习者对绘画和设计的认识，提升自身的审美品味和水平，深入研究服饰绘画所表现的主题精神，从而使设计更加具有风格和内涵，提高学习者的服饰绘画水平等本质技能，最终创作出具有高品位、高格调的艺术作品。
2以创新性为特色，展示服饰绘画的前沿理念
服饰最能够体现时代风尚潮流，服装的款式、材质、搭配都是设计者审美和时尚感知的鲜明表现。当绘画与设计邂逅，如何通过绘画体现设计者的理念和思维就成为服饰绘画的一个重要课题。该书在编写的过程中，始终站在时尚前沿，通过绘画表现人物的整体形象，体现设计者新潮的概念，体现了该书创新性的特点。这种创新性集中表现在两个方面。一是对服饰本身的创新。该书在人物整体形象的设计上非常新颖和独特，个性突出，给人以极强的美感和视觉冲击。二是绘画手法的创新。随着社会的进步和科技的发展，计算机技术影响各行各业，服饰绘画既可以通过手绘，也可以依托计算机多媒体技术进行绘制。
该书向服饰绘画的学习者和从业者传达出一种观点：服饰绘画是一项与时尚息息相关的艺术表达，脱离了时尚，就会失去生命力，失去活力和色彩。服饰所表现的审美艺术价值与绘画形式意识一脉相承。服饰本身就是艺术作品，其形式美感拥有独特的地域文化意味，具有固有的造型、色彩、图案等蕴含丰富人文风情的特点，绘画从服饰中吸取其形式语言，对人物形象气质的塑造做到准确的描绘和表现。所以，在从事或者学习服饰绘画时，必须具有敏锐的时尚触觉，善于运用最新的绘画手法，表现最新潮的服饰穿搭，最后创作出整体和谐美观，细节精致独到的服饰画作品。
3以实用性为重点，讲解服饰绘画的表现技巧
该书的研究重点放在了服饰绘画的表现技巧上，围绕人物的形象设计的主题，针对人物的着装、配饰、化妆等，致力于培养设计者熟练的绘画表现能力和艺术创造能力，锻炼形象设计从业者的素描、水彩、速写等绘画基础，从而进一步提高其整体的艺术素养。
一是对绘画工具的介绍。要想创作一幅完美的服饰绘画作品，合适的绘画工具必不可少。该书详细介绍了绘画用具及应用，对常用工具、颜料、纸张及特殊工具进行了图文并茂的展示，包括铅笔、钢笔、炭笔、马克笔、勾线笔、毛笔、蜡笔、油画棒、水彩笔等辅助工具材料，为初学者选择适合的工具提供了参考和借鉴。
二是对绘画技巧的阐述。绘画技巧是该书的研究重点，要扎实掌握服饰绘画的技巧。“人”作为服饰的主要载体，其绘画技法是以人物造型为主体，通过人物形态、发型、妆容等造型设计塑造，借助绘画表现形式，衔接设计者的构思。因此要重视人本身的全面认识和理解。该书细致讲解了人物头部表现，规范了五官“三庭五眼”的绘画方式，提出了“美”的重要标准，有助于设计者创造出具有视觉美感的人物形象。同时对人物整体的结构比例、具体的脖颈、手部、脚部的表现以及不同人种、不同年龄、人物动态与表情、服饰配件的表现等进行了详述，涵盖了大量服饰绘画需要注意的基础技巧，这对加强服饰效果有重要的表现作用。
其次需要对服饰绘画色彩运用、笔触、材料选用等方面有一定的掌握。水彩、粉画等水溶性材料，灵活方便，由水与色的冲撞泼出时尚感，能够绘制出棉、麻、丝、毛、皮等不同面料的质感，产生偶然、灵动曼妙而清透的视觉效果，也可以像油画那样具有凝重的绘画性特色。色彩的表达离不开笔触的形式载体，无论是手绘制图还是多媒体电脑制图，一幅好的服饰绘画作品，除了有好的构思创意，还要通过相符合的技法、工具材料的合理选用，才能准确传达服饰信息，使时装具有立体感，营造出特有的形象意境，有效诠释设计者的预期构想，增强画面的艺术趣味性，凸显画面立意的“新”、“巧”、“妙”，这对夯实学习者服饰绘画基础具有积极导向作用。
4以专业性为指导，精心设计服饰绘画的规范教材
服饰绘画课程是一项专业性较强的课程，需要学习者具备扎实的专业功底和专业素养，该书是形象设计专业教材，体现了极强的教材属性。
第一，该书意识到服饰绘画教学对象的大众化和多样性，以“学生”为主体，根据其特点、市场需求从全方位、多角度的视野对服饰绘画进行了系统的梳理。
第二，该书以指导为目的，重点对服饰绘画的技法进行解读。该书在绘画技法章节讲解中配以大量的实践作品以辅助理解和享受服饰绘画对我们视觉神经的刺激，解放禁锢着学生思想的枯燥乏味的纯理论知识深渊，让其感受到直观而真切的亲身体验。如“服饰绘画的色彩表现方法”中，列举了丰富的色彩表现手段，一目了然；又如“服饰绘画的方法和步骤”一节，给出分步骤图例讲述单纯的疏密黑白勾线、填色勾线、图案、拼贴、明暗等表现技法，使勾线和涂色的过程清晰；再如，“服饰绘画面料质感及风格表F”一章，结合图例讲解了不同面料的肌理表现，助于学习者更好地把握服装质感和风格。这些都体现出该书极强的指导性和教材性，即使是初学者或者自学者都可以按照教材进行学习，很好地解决了“画什么，怎样画，画成怎样”的问题。
关键词：绘画；设计；艺术创作；差异性；个性；附着性
中图分类号：J022文献标识码：A文章编号：2095-4115（2013）10-46-1
中国的绘画艺术在西方绘画技法的影响下，增加了素描、油画等多种艺术形式。而如今，一门新潮的艺术――“设计”，正如雨后春笋一样茁壮成长并逐渐壮大。美术院校把绘画和设计分为两个不同类型的专业，社会上出现了以设计谋生的人群，有关纯艺术绘画和设计的讨论也随之而起。出于职业的取向，对两者之间的差异性，不得不去认真思考。一种认为：只要具备绘画能力，设计便不成问题。另一种则认为：设计是有一定独立性的，有绘画的功底不见得就会设计。前一种观点的人大多为美术专业的师生，而后一种观点的人则为专业设计师。我认为设计师要同时具备绘画的基本造型技能和对形式美法则的特殊理解和匠心独运的创造意念。本文就此话题有几点看法，并逐一阐述，希望能起到抛砖引玉的作用。
绘画中作者的个性绘画是一种与文学、戏剧、音乐等相关的倾诉艺术。艺术家用色彩结合各种绘画技法来表达自己的主观感受，它的生命力在于创新、在于其独到的艺术感受和艺术个性。艺术家不得不把个人主观意志的潜能激发出来，最大限度地表达自我。设计师作为商品的美化师，只能在商品性格的前提下尽可能地发挥他的个性。因为他的作品是给多数消费者观看的，必须符合多数人的审美标准，才能促成销售，才能算是成功的设计。
设计是一种有界定性的艺术，与绘画的区别在于其对商品的附着性上。设计作为商品在为市场服务时必须有价值和使用价值，要赢得客户的信任与满意，最终实现价值，必须通过市场竞争的检验，设计的成功与否在于它能否达到帮助产品实现促销的目的。现实中每一位设计师为客户服务时，都会满足客户对设计的需要。设计对商品的附着性还体现在市场趋势，市场的强劲与疲软直接影响设计行业。一种是：当市场处于经济危机、商品大量积压、消费者消费能力下降时，商家对设计无暇顾及。另一种是：当某种商品在市场供不应求时，厂家对设计根本不屑一顾。可以说，在商品经济不发达的社会状况下来谈论设计水准根本不现实。
绘画与设计的区别不仅仅体现在“个性化”与“附着性”上，还体现在对形式美追求的差异性上。词典中“混沌”一词释意为：“指宇宙形成以前模糊一团的景象。”中国人喜欢婉转含蓄，认为“含蓄”就是美。“混沌”体现出一种耐人寻味的因素，这和中国的古典哲学与宗教相关。中国古典绘画所体现的“空”、“灵”、“气韵”等美学思想，都是为了寻找一种不确定的混沌美。虽然这些手法在设计中也能见到，但一般来说仅是借用，以增强设计的艺术性，它不是设计所追求的表现手段和美学思想，这种“空”“灵”“混沌美”只是作为设计的一个组成部分而不是全部。
绘画对“混沌美”的追求不仅体现在流派上，而且还体现在对材料肌理的选择上。题材、效果、需要何种肌理，都是绘画追求混沌美的因素之一。尤其是现代绘画，在一幅作品中对材料的选择已到了随心所欲的境地，多种材料的综合运用旨在加强画面的混沌美效果。
秩序美是平面设计的核心体现。现代设计对实体的把握是形式法则，形式是实体的具体化、丰富化、精确化。在现代设计史上对20世纪影响最大的人物是勒・科布歇，他运用建筑学根据人体比例进行黄金分割，称为模数设计体系。模数最初对建筑形式有着巨大贡献，后来被运用到平面设计中。模数理论的基本原理就是对太阳神的肚脐、头顶和伸直手臂的指尖进行分割之后勒・科布歇将其变为44个长方形进行空间划分。模数体系的核心，就是利用人们对级数变化心理所产生的秩序美进行设计。
从上述的例证来看，设计的美感体现在有秩序的韵律上，这点与绘画有着本质的不同。平面设计的独立性体现在版式设计和字体形态上，绘画是以图的形式传达信息，一幅好的绘画作品可以浓缩大量的信息内容，在某些场合它可以代替或补充文字的不足。虽然如此，由于绘画与文字传播的功能之间较大的差异，绘画作为单独的艺术品，其画面并不存在文字说明，而设计无论是作为专门的艺术，还是特地为某种商品服务，都必须有文字说明。只有通过文字的存在，其自身价值才能够得以实现。既然绘画艺术可以无文字出现，它也就不存在版式设计的问题。由此可见，设计有别于绘画，是独立于绘画且具有时代特征的专门学科。
绘画与设计功能上有巨大差异性，因此，在工艺制作的方式上也存在着本质的区别。绘画是一门艺术，在制作过程中个人思维、技术的成分占有相当大的比重。而设计，其产生与发展和商业行为相伴，是随着商品经济的激烈发展起来的。它的目的是为整个市场服务，具有显著的商品特征，其方式是在脑力劳动的创造下和机器相结合的物化过程。作为一个设计师，不仅要懂得版式编排还要懂得机器的功能、印刷装订工艺，还要懂得在何种状态下，机器墨色套排序列对作品产生何种效果，纸的品牌、种类、性能都会影响设计作品的质量。而绘画作品属于纯手工艺品，它和机器大生产无关，故此也就不必去劳神考虑机器的性能和工艺加工程序。
基础绘画技能学习是一切绘画的基础环节，是设计专业学生的必修课。只有在充分掌握基础绘画的技能后，才能对设计有所创新。但是在高校设计专业中的基础绘画教学中存在很多不利于教学的因素，高校基础绘画教学体制有待改革。
一、高校设计专业中基础绘画教学的现状及问题
（一）基础绘画教学的定位不准确
随着艺术设计专业的不断发展，作为美术教育重要组成部分的基础绘画教学在设计教学中得不到重视。在很多高校的设计专业中对于基础绘画教学一直采取单一的方式，照搬现实。在实际教学中不能要求学生在设计上创新与自我创作，而艺术设计本身是与创新紧密结合的学科，这样的教学模式违背了设计专业的初衷。实际的设计教学中，基础绘画并不是教学中的重点部分，而是课堂中的附属部分，教师在教学中对基础绘画教学不重视。
（二）设计专业不能与基础绘画教学相结合
众所周知，素描和色彩是所有与设计专业相关的基础绘画课程。长期以来，素描和色彩被认为是造型艺术的基础环节，但是在设计学习中，很多学生不能把基础绘画技能与设计相结合，只在绘画写生和技术手法上下功夫，而真正忽视了设计要有专业性。这样一来，造成恶性循环，对学生的设计思维没有好处。
（三）国外浮躁艺术形式的影响
影响着基础绘画教学质量重要原因是国外艺术在国内的传播，国外一些创新性的艺术作品形式在高校出现。由于一些艺术家在艺术上的炒作，使得学生在思想上比较浮躁，作品急功近利。学生在模仿中忽视了艺术的规律性，对基础绘画教学缺乏耐心，尤其艺术设计创新上不具有竞争力。
二、改善高校设计专业中基础绘画教学的举措
（一）提高基础绘画教学的重要性
当前，在很多高校设计类专业的课程设计中，不能体现对基础绘画教学的重视。有些高校开设了基础绘画课程，但是教学一直处于摸索的阶段，因此在课程的设置安排上不具有科学性，经过调查表明课程之间的相互联系非常小，各个知识点之间是相互独立而存在的形式。这样的局面导致了基础绘画课程不能很好的为设计专业学生提供有力的学科支撑。所以，为了提高设计专业学生的基础绘画能力，需要教师在教学过程中将基础绘画教学视为教学中的重点，而不是学生眼中的选修课。在将基础绘画教学纳入到教学体系中时，将其他学科科学合理的进行分类，使他们之间能够互相联系。这样形成的教学循环模式不仅能够提高教学效果，还能促进学生学习专业知识。
（二）合理选择教材，增加辅助教学
基础绘画教学课程在艺术设计专业中开设的课时比较少，对于教学的时间不足，针对教学课时的教材以及辅助资料也相对匮乏。在专门的绘画专业中，其教材比较丰富，并且对于绘画教学比较专业，但是在艺术设计类的教材中需要具有专业性和学术综合性，既要求学生能够掌握基础绘画技能和相关知识，还要开拓学生的视野，从而进一步扩大学生的知识面。高校在辅助教学资料配置方面需要能够满足不同专业层次学生的发展需求，以此来最大程度上的避免教师在教学中的循规蹈矩。设计专业最主要的技能就是创新与个性，虽然在高校设计专业的基础绘画教学还在探索中，但是教师应该坚持对学生们进行创新能力的培养。通过教师对教材的精心编排，能够为艺术设计专业学生提供更加科学而合理的基础绘画教学资料。
（三）充分利用教育资源
对于艺术设计专业学生来说，美术馆以及博物馆是最好的教育资源，对于那些绘画基础比较薄弱的同学而言，练习好扎实的审美基本功是绘画中最重要的环节。艺术教育最基础的教学基础就是训练学生的审美素养，而在课堂上的审美素养培养远远不够。学生在学习时候要多走进美术馆、博物馆和展览馆，这样与优秀艺术作品零距离接触，为学生打下扎实的动手能力，这也就是将美术馆搬进了课堂。
关键词：宋代画院中国画教育启示
正文：在中国美术教育历史长河中，宋代画院教育以其完整而独特的教育体系影响着后世的美术教育，其中也包括中国画的教育。宋代画院是宋代设立的宫廷御用绘画机构，同时也具备培养绘画人才的功能。它具有严格而完善的招生与考核制度，课程设置上也非常注重提高学生的文化修养和创新能力。宋代画院教育培养了一大批著名画家：郭熙、李唐、李篙、张择端……正是宋代画院教育促成了宋代绘画的辉煌成就，所以说它在中国美术教育史上有着及其重要的地位。当今中国画教育是以美术院校为主导，美术院院校不仅承担着中国画基础知识的教授，同时还承担着中国画的传承和发展的重任。在当代解放初引进的苏联素描教学体系仍是中国画基础教学的主体，各个美术院院校仍用西方绘画的造型、色彩原理和标准来要求中国画教学，而中国画是根生与我国传统文化背景之上的，应有别于西画或其他艺术形式的独立体系，以西方艺术观念来进行中国画的现代建构必竟是“隔靴搔痒”、不着边际或悖离中国画的文化品性与精神内涵。不同的知识结构必然产生对事物不同的看法和认识，也就会作出不同的教育决策，所以中国画教育的改革志在必行。分析宋代画院考试制度、课程设置、艺术主张等方面的内容可以借古开今。改革美术专业入学考试方法，改进课程设置，是当代中国画教学所面临的亟待解决的问题。
一、宋代画院教育分析
1.注重文学修养的考试
宋徽宗所设立的画学，标志着中国最早的皇家美术教育机构的确立，宋代画院的画家的选取有两种模式：一是荐举，二是考试录用。画院平常对院画家的考绩也用考试方法。考试除诗文论策外，兼出题作画，其题目多是摘取古人诗句为之。故所画多含诗意，亦为中国画由礼教化进而为文学化之最大原因。以诗题画，不仅使人品尝出诗境之美，而且体验出画境之美，诗与画交相辉映、相得益彰。以诗入画的风气日盛一日，到徽宗朝时，便出现了以诗句命题的考试方式。此类试题都需要应试者体会诗中深邃的意境，把握住主题，再以精妙的画技把主题表现于画面，这绝非一般墨守成规的画家所能做到的，所以当时应试的人接踵摩肩于汴道之上，但“多有不合而去者”，而中魁者往往是能用形象艺术表达诗中神趣的有一定文学修养的画家。这就促进了中国绘画艺术文学化的进程，也开启了在画中有意识地表达一定思想、寓意的风气，形成了中国画独有的诗情画意传统。
2.细密的程设置
宋代画院的绘画分科和课程设置，据《宋史》卷157《选举志三》记载，“画学之业，曰佛道，曰人物，曰山水，曰鸟兽，曰花竹，曰屋木，以《说文》、《尔雅》、《方言》、《释名》教授。可见入学之后的分科分门是十分细密的。画学的学科分为专业课和共同课（类似于我们今天的专业课和文化课或公共课），专业课有：道释、人物、山水、鸟兽、花竹、屋木等六门；共同课就是上述的《说文》、《尔雅》、《方言》、《释名》等，此外则设问答（有关画理、画论方面），以提高学生的文化修养，可见画学的学习不仅注重绘画技能技巧的训练学习，还特别重视文化方面的修养。可见宋代绘画水平之高，与对文化修养的重视是分不开的。
3.专业的考试标准
宋代画院的取士标准是：“考画之等，以不仿前人而物之情态形色俱若自然，笔韵高简为工。”这既是取士标准，同时也是宋代画院的教学宗旨和艺术审美标准。“不仿前人”，就是不囿于前人的绘画，要求有所突破和创新；“物之情态形色俱若自然”，就是要求形神兼备；“笔韵高简”，则是要求“笔墨精妙、高古、简洁”。宋代院画家正是秉承着这三条艺术品评标准，不断创新，终于成就了宋代画院的辉煌历史。
二、当中国画教育存在问题
1.单一的入学考试
目前只有很少的几个专业美院自助招生，大多美术专业高考招生都采用省统考模式，考试内容不论学什么专业大都一律考素描、速写和色彩，这就决定了学生必须把主要的精力用于素描、速写和色彩的学习上，而对传统文化和诗词的学习忽略和漠视。进入院校后的学习专业的问题就更突出，由于长期在造型手法上和观念上己形成了西画的“先入为主”，因此，不少学生进入中国画专业学习后的心境仍然处于西画的状态，创作的情境和学习的氛围都会偏离。
2.课程设置重技法轻理论
目前中国画的教学普遍存在着重技法、轻理论的局面，成为一种速成的普及式教学方式。中国画历来讲求“读万卷书”，要想在中国画专业上取得造诣，其自身的文化素质即所谓的“画外功夫”从某些方面来说甚至要比绘画本身的要求来的更高。只会画画的人，犹如低头看路，天天走，也不过是一条小道。通晓美术史的犹如登上高山之颠，俯视天下，千峰万壑，九曲回肠，尽列眼。长期以来中国画专业无论从课程设置安排、教师授课和学生创作等方面都是单一地停留在实用的技法层面，教学偏重技能的传授，主要精力放在技能技法的学习，如线条运用的好坏、造型能力的强弱。注重通过学习让学生熟悉掌握中国画的材料特性、表现技法、形式语言并将这些熟练的运用到自己的绘画创作中，这类的技法课从学生入学开始到毕业至始至终贯穿整个教学目的。学生的创作是否有相应的艺术理论依据支持，学生自己又能研究出什么样的艺术理论，这个方面的问题很少出现在教学中，只是单纯的追求画的出画来就行，而对作品的艺术格调、思想内涵研究得不够，特别是学生看画册的时间多，钻研理论的精力少，很多理论书籍长时间放在图书馆的书架上，束之高阁。而缺乏理论支持和文化素养为根基的作品，也往往显的苍白无力少了内在精神。
三、中国画教学改革思路
1.完善考试制度
艺术考试是选拔优秀艺术人才的量化方式，然而目前的考试制度忽略了人文素质的培养，也不注重中国画的专业性。在专业考试的科目设置中应该加大中国画考试的专业趋向，除了老的素描、速写、色彩考试外，还应该注重考察其中文、哲学以及书法等方面的知识，只有考试制度得以根本改变，才能从根本上促使中国画的后继者们在专业及文化素质上主动去提高文化学养，后积薄发。
2.改革课程设置，重视提高文化素质和理论学养
课程是连接教育目标和教育活动的纽带，是确立教育内容和方法的基础。在课程设置中应加强文化综合素质课程，艺术课不是单纯的技术课程，而是一种人文课程。我们的学生不管是为了现在更好地理解艺术，还是今后从事教育工作传授艺术，都要有浓厚的人文素质，因此必须增加一些如哲学（尤其是东方哲学）、宗教、历史、文学、美学等文化课程，调整公共文化课程，对那些国家规定开设的科目，要对其教学内容及方法进行改革，切实加强与中国画专业的结合与融会贯通，提高学生学习的主动性和积极性。此外，还应建立新的中国画教学理论体系，制定新的中国画教学计划，全面加强传统文化理论知识的教学和学习，充实本专业的理论教材，内外兼修，以达到真正提高学生的艺术素质的目的，使之更深入地理解美的本质，掌握美的规律，提高审美鉴赏能力和创造能力。
宋代画院是中国画传统教育模式的典范，它强调了对传统文化的学习，推崇画面文学诗意的表达，成功地解决了形似与格法的二元悖论……这些都是我们今天的中国画教育所缺少的。在新的历史发展时期，中国画必将面临更多的抉择和更为艰巨的挑战。我们应以宋代画院教育为一个借鉴和参照点，重新认识和发掘传统教育模式，紧扣时代的脉搏，把握住民族文化的精神，加快改革的步伐，建立起新的中国画教育体制，从而将中国画朝更具民族性、更具生命力的方向推进。
参考文献
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